Cayman The Animal – Too Old To Die Young (Mother Ship, 2011)

Inizio col dire che questo disco dei Cayman The Animal è semplicemente da comprare. Non pensateci troppo e procuratevelo, coraggio.
I motivi sono come minimo tre. Partiamo dal fatto più esteriore: si tratta di un oggetto realmente bellissimo… un LP picture one-sided, quindi con un lato solo di musica e l’altro meravigliosamente illustrato da Ratigher. Poi c’è che la band ha scelto di distribuire il proprio lavoro con una modalità estremamente illuminata: nel pacchetto trovate infatti il vinile e la versione su cd; e, se non vi basta, l’album è disponibile in free download, in mp3 (così se siete avari manco pagate e vi trovate i vostri bei file da buttare nel lettore mp3 o nell’aipòd – ma non sapete cosa vi perdete, farisei).

E il terzo motivo è, ovviamente, la musica. Un hardcore ibridato con l’emo-screamo anni Novanta, la sperimentazione degli ultimi Black Flag, il post hardcore, il rock’n'roll marinaro, il rock più sanguigno, il metal più sopraffino… un bellissimo guazzabuglio sulfureo e melodico, disperato ed energizzante. Del resto i ragazzi non sono certo sbarbatelli e hanno accumulato esperienza tangibilissima con band come Ouzo e Ingegno, nell’area perugina. E ora giungono a una summa di quanto accumulato e metabolizzato negli anni precedenti.

Un lavoro davvero interessante, che colpisce allo stomaco come una mazzata.

Jet Market – Sparks Against Drakness (No Reason, 2011)

I quattro italianissimi Jet Market sono al loro quarto disco e suonano ormai dal 1998 – che a me sembra ieri, ma cazzo, son passati quasi 14 anni. In pratica una vita per una band. Escono su No Reason, per questa loro quarta fatica… e anche se dicono che l’abito non fa il monaco, in questo frangente la label è chiaramente indicativa di quello che ci si può aspettare, visto lo stile piuttosto netto e omogeneo che propone con regolarità. E infatti questo Sparks Against Darkness è un album di punk hardcore melodico con qualche filamento di emo core e una – piacevolissima, a mio parere – spruzzata di skatecore/skatepunk.

La ricetta è classica, ma i Jet Market sono magistrali nel proporla: ritmi sostenuti, chitarre stoppate e arrangiamenti melodici, cori con armonie… c’è tutto. Se avete amato Satanic Surfers, Propagandhi, No Use For A Name, Avail e – perché no – Nofx, qui c’è pane per i vostri denti.
L’unico peccato, per quanto mi concerne, è che avrei preferito meno emo e più follia skatecore: avete presente gli Stupids? Ecco, loro erano dio nel genere skate. Poi è ovvio che l’ispirazione dei Jet Market è più derivante dall’hc melodico statunitense anni Novanta,  ma come dire… visto che l’appiglio skate c’è, io mi ci attacco e ne chiedo di più – mentre posso fare a meno della dose da cavallo di sonorità Burning Heart/Fat Wreck.

Detto questo, la band è senza dubbio ottima e non deluderà anche i conoscitori più pignoli del genere. L’uomo Del Monte ha detto sì.

Beggars – s/t (Chorus of One, 2011)

Un buon 7″ dal look old school per questa band di Chicago che approda nel roster dell’italianissima Chorus of One.

Questi Beggars non sono certo mostri di inventiva, ma menano piuttosto pesante con un hardcore emo/screamo melodico (niente roba estrema stile Ebullition, occhio) molto mid-Nineties.
Velocità, incazzatura e una linea melodica costante – ma mai troppo preponderante, per fortuna – sono le caratteristiche salienti di questi quattro brani belli sanguigni e sbattuti in faccia senza troppi complimenti.

La rabbia, l’energia, la malinconia e la voglia di fare casino sono rollate tutte insieme in una metaforica cartina intrisa di benzina, per far bruciare meglio il tutto: e il risultato è notevole. Sarà la brevità del disco, sarà la concisione, ma questo singoletto è una bella parentesi che si ascolta e si riascolta volentieri una seconda volta. Cosa che non accade spesso, almeno qui nella tana del cinismo barbarico.

Il promo kit cita tra le influenze Strike anywhere (può essere), Fugazi (insomma… sono più violenti negli intenti, i Beggars), Modern Life is a War (che non so chi siano e non credo di avere intenzione di scoprirlo ora) e Foo Fighters (e per fortuna non ci somigliano neppure per errore… dio mio…).

Argetti – New Seeds (No Reason, 2011)

Onestamente, e non me ne vogliate, penso che un nome peggiore di Argetti (che a quanto leggo è anche uno dei cavalieri dello zodiaco… ma per favore!) sia davvero difficile da trovare – così come è piuttosto folle decidere di affibbiarlo alla propria band, soprattutto se si decide di suonare punk rock. L’impressione iniziale, quindi, è stata gravemente negativa.

Ero quasi pronto a una recensione di quelle che nei primi Novanta, nella fanzine di Rev Norb, venivano fatte solo guardando la copertina e non ascoltando il disco, ma poi ovviamente ho fatto ciò che un uomo deve fare e l’ho messo nel lettore cd. E’ stato una piacevole sorpresa constatare che, nonostante il nome da tribunale dell’Aia, i vicentini Argetti suonano un ottimo pop punk fine Ottanta/primi Novanta, che trasuda letteralmente (e lo ripeto: trasuda, ne è intriso come una spugna) suggestioni inequivocabilmente riconducibili alla prima ondata di gruppi Lookout.

Lawrence Livermore probabilmente si sarebbe innamorato di loro nel 1991-92, visto che incarnano le anime che nel periodo aureo hanno contraddistinto l’etichetta di Berkeley: punk rock asciutto e semplice, suonato senza fronzoli e tecnicismi, ma soprattutto striato di sensibilità pop alla Smiths/Morrissey e attitudine emo-core (occhio ai termini: l’emo di cui si parla non è quello di adesso, ma proprio tuuuuuutta un’altra roba). Per utilizzare il solito giochino del “somiglia a”, direi che gli Argetti sono un improbabile ibrido di Monsula, primissimi Green Day e J Church, leggermente insaporiti in salsa anni Duemila e con una persistente vena malinconica a corredo.

Notevoli davvero, quindi: probabilmente hanno anche il giusto appeal per piacere ai relitti che la scena degli albori Lookout la hanno vissuta in prima persona, così come agli under 20 e ai famigerati twentysomething. E allora, bene così. Magari ogni tanto incazzatevi un po’ di più, invece di cedere incondizionatamente al lato melanconico del pop punk…

Distanti – Enciclopedia popolare della vita quotidiana (Triste, 2010)

Ultimamente la scena emo-core nazionale (con le sue varie propaggini) è in uno stato di buona salute: tra i migliori dischi usciti negli ultimi anni in Italia, per chi scrive, ci sono quelli dei Dummo, degli Altro e dei Fine Before You Came.

Ora da Forlì arrivano i Distanti, con il loro esordio Enciclopedia popolare della vita quotidiana in uscita per la Triste, che già si era occupata dell’edizione in vinile di Sfortuna dei FBYC. Poco più di venti minuti, 10 pezzi che ci riportano al suono dei Rites Of Spring e soprattutto al biennio 1997-1998, più o meno ciò che stanno facendo anche i Verme in questi mesi. I forlivesi forse ci riescono un po’ meno bene, anche perché giovanissimi: hanno infatti qualche passaggio a vuoto quando si allontanano dalla formula elettrica e veloce che caratterizza la maggior parte dei brani. Ci sono un paio di frazioni semi-acustiche che fanno tanto demo e di cui non si capisce del tutto la presenza, seppur con testi interessanti (“Appunti per una stagione virtuosa” e “Appunti per un’amica”), oltre a un inserto abbastanza incomprensibile in cui una mamma descrive il pranzo pasquale al figlio lontano (“Geloso”).

Il resto però, quando si viaggia sui binari anni Novanta (con pure qualche scatto screamo dalle parti dei concittadini La Quiete), funziona assai bene, con la giusta esposizione di emo-zioni più o meno adolescenziali su suoni tirati e abbastanza grezzi. In particolare va segnalata “Limonare Duro”, che si fa ricordare non solo per il titolo molto esplicativo, ma per la riuscita complessiva del pezzo, tra amore, lacrime e un bel compromesso tra ritmo e melodia. Che è la strada da seguire.

Ted Leo and the Pharmacists – The Brutalist Bricks (Matador, 2010)

E Bravo il nostro Ted Leo dal New Jersey. Dopo anni in giro per il mondo musicale, metti insieme un po’ di amici dietro al bancone e ci proponi queste 13 simpatiche pilloline di pop emo, con principi attivi al power punk, senza bisogno di presentare la ricetta.

The Brutalist Bricks è un album piacevole e divertente che si ascolta senza problemi già dai primi due brani “The Mighty Sparrow” e “Mourning In America” che con il loro ritmo incalzante ti portano dritto dritto dentro a questa farmacia piena di rimedi antistress.

Ci sono pezzi che possono ricordare gruppi come i Presidents of United States o gli OverWhelming Colorfast (per chi mai se li ricorda, ovviamente), ma ci sono anche frazioni in cui la chitarra morde e la voce diventa più “cattiva”, come una sorta di Fugazi sorridenti (“The Stick”), se mi passate l’ardita metafora.
Soridenti perché non si passa mai sul lato selvaggio e oscuro della musica: non troverete nessuna traccia di malattia in questo album, solo voglia di zampettare allegri e, in alcuni casi, tentare un timido accenno di pogo contro il frigorifero, grazie alla sezione ritmica che fa sempre il suo porco mestiere (lo scrivo sputando per terra e passandomi una generosa manata sul pacco).

Tra i pezzi più convincenti “Woke up near Chelsea” con il suo testo che non lascia dubbi circa gli orientamenti spirituali di Ted “Well we’ve all got a job to do, and we all hate God/ But we’ve all got a job to do/ We’re gonna do it together” e “Where was my brain”.

Chi ha avuto modo di ascoltare le altre cinque fatiche di questo gruppo sostiene che questo sia il primo lavoro in cui si riconosce una certa coerenza tra i brani, e la creatività  non è  stata lasciata troppo libera di spaziare tra diversi generi.
A essere onesto io non ho ascoltato tutti i precedenti album di Ted Leo, ma non stento a crederlo, dato che in alcuni casi sembra quasi che la tentazione di uscire dai confini di un genere o di uno stile sia stata molto forte – come dimostra la “citazione” dei Minutemen in “Bartolomeo and the Buzzing of Bees” o la ballad “Tubercoloids Arrive in Hop” dagli echi zeppeliniani (anzi a essere pignoli, dei Motorpsycho nelle loro ballad in stile Led Zep).

In estrema sintesi un bell’album da utilizzare ai primi sintomi di giramento di balle da vita quotidiana.

Leggere attentamente le avvertenze e le modalità d’uso.

New Disorder – Hollywood Burns (Wynona Digital, 2009)

I New Disorder, sono la classica band che mi spiazza. E questo perché la musica del loro album di esordio Hollywood Burns non è di quel genere che più mi piace, ma bisogna ammettere che la suonano pur bene.

Questo gruppo di ragazzi romani, assieme da pochissimo (2009), si definisce una alternative-rock band, ma secondo me la definizione è poco calzante e non rende appieno il loro genere. Certo, se con il termine “alternativo” s’intende che la musica che fanno non li farà diventare ricchi e famosi, sono abbastanza d’accordo, anche se un dubbio mi resta sentendo la voce del cantante (Fran) che in alcuni pezzi sembra molto ispirata a quella di Matthew James Bellamy, il leader di quei Muse che tutto sommato sono riusciti a guadagnare anche un discreto successo commerciale.

La loro musica però, più che alla grande famiglia del rock alternativo, a mio avviso appartiene a quella del metal, e in particolare a quella forma di metal melodico tra Helloween ed emo metal. A farmi venire in mente questa associazione ci sono alcuni elementi – come ad esempio il suono della chitarra e della cassa, oltre ad alcuni virtuosismi vocali (in “Hollywood Burns” ed “Escape” ad esempio”). E il timbro del Metal emerge anche nella sua versione ballad in pezzi come “Escape (part II)”, la cui linea melodica mostra una vena creativa non banale.

Resta sull’album una patina di già ascoltato: a questo punto occorre capire se in futuro il gruppo potrà e vorrà emanciparsi dal timbro dei Muse che appare davvero troppo evidente soprattutto in alcuni brani (ad esempio “Sick Feeling As you”).

Ne esce comunque un bel miscuglio di generi diversi, suonato e cantato bene, senza alcun effetto di inglese maccaronico, con il minino comune denominatore di una buona capacità  creativa e di una volontà di sperimentare anche con i suoni.

Certo l’effetto Vocoder inserito ad esempio in “Blu(e) Skies”, quello tanto abusato da Cher nella fase finale della sua centennale carriera, forse è un po’ troppo.
Ma se nel mondo fanno cantare degli ex principi sfiatati con evidenti necessità di far cassa per pagare i vizi dei loro genitori, non trovo corretto sparare su questi onesti ragazzi di Roma per qualche barocchismo, vizio di gioventù.

Finché Cher vita Cher speranza (e mi batto le mani da solo per questo simpatico calembour).

In bocca al lupo.

Sonny Vincent, newyorkese classe 1952. Dal 1975 a oggi ha suonato in un numero impressionante di band (Testors e Shotgun Rationale su tutte) con personaggi del calibro di Cheetah Chrome, Sterling Morrison, Bob Stinson, Wayne Kramer, Moe Tucker, Scott Asheton, Captain Sensible, Lou Reed, Richard Lloyd… e la lista continua.
Una vera e propria leggenda, che – nonostante tutto – si è dimostrata disponibile a una lunga chiacchierata via e-mail. Enjoy…

Partiamo dall’inizio: possiamo dire che sei una leggenda della New York ’77. Cosa ne pensi? Quali sono i lati buoni e quelli negativi, nella tua posizione?

Molti drink offerti!! No, scherzo… beh, la parte buona è che ho vissuto quelle cose in prima persona. La scena era carica ed elettrica, avevi una sensazione volatile di essere davanti a un confine.
Un’altra cosa positiva è che, grazie a quello che è successo, ora la gente può finalmente ascoltare musica pura e reale; fin dall’inizio il nostro obiettivo principale è stato questo: essere veri e diretti.
La parte cattiva è che fin dal primo giorno il sistema è stato contro di noi. Anche se la maggior parte delle cose che abbiamo ottenuto ci hanno portato piacere e gioia, hanno comportato anche tanta sofferenza e fatica.

Negli ultimi anni molte band importanti del passato – New York Dolls, Stooges, MC5… – hanno fatto una reunion e dei tour. E’ tutto frutto di una speculazione o c’è davvero un vuoto che solo il passato sembra poter colmare?

Credo che sotto diversi aspetti colmino un vuoto. Le persone, oggi, hanno ancora più bisogno di questa valvola di sfogo: guardano queste band per trarne ispirazione e non importa che il gruppo arrivi da una scena del passato, se è ancora valido e picchia duro.
La gente cerca un’alternativa alla solita roba che i media propinano. Vedo che c’è una curiosità sempre maggiore per i Sixties, come per i tardi anni Settanta. Un sacco di interesse per i Dolls, gli MC5… quello che ho notato, a proposito delle band punk dalla scena del ’77, è che alle persone piace vedere questi gruppi adesso: questo perché, in un certo senso, così possono toccare con mano quel modo di essere. Riescono a sentire, ad avere un legame con ciò che si prova a vivere al limite – o, almeno, ciò che si provava.
Alora la musica era fottutamente ribelle, le canzoni micidiali – in alcuni casi folli e divertenti. E ancora oggi tutto ciò esercita un forte fascino.  I ragazzi più cool cercano disperatamente questa roba, ne hanno bisogno! E attraverso la musica di queste band possono far uscire allo scoperto la parte di loro che è più incline spingersi sull’orlo del precipizio; la parte che è tenuta sotto controllo dalla necessità di interagire quotidianamente con la società moderna.
Posso capirlo… senza la musica molti di noi si sentirebbero quasi come morti: ma con la musica, invece che vivere impauriti, con una costante sensazione di perdita causata da una vita insignificante, abbiamo la sensazione che qualcosa si stia evolvendo. Ammetto che a volte sembra solo un’utopia: l’idea che qualcosa possa realmente cambiare, a volte, sembra lontanissima. Ma le band e gli artisti, in qualche modo, vendono questi sogni e li promuovono. Almeno le band di cui parli.
Questi sono tempi molto conservatori: la paura, la rabbia e il consumismo sono troppo deprimenti da sopportare. Co sono persone che vogliono fare un po’ di casino, gridare un enorme “Vaffanculo”, fare davvero qualcosa e riconoscono elementi del loro vero spirito nella musica di quei gruppi.
Questa forse è solo la mia analisi personale, ma sento che quella musica comunica profondamente, molto più della maggior parte della roba commerciale che gira in questi giorni.

Gli emo prendono molto, esteticamente, dal punk e si proclamano come “i figli moderni del punk rock”. Quando il fenomeno è scoppiato, sono stati subito presi di mira e in alcuni posti si è giunti a una vera caccia all’emo. Cosa ne pensi?

Non ho nessun problema con la scena emo o le persone che ho incontrato e dovrebbero essere emo. Tendo a prendere le persone come individui, uno alla volta; cerco di non piazzarle in un gruppo o etichettarle. Ma, così per il gusto di parlare, posso dirti che non ho nessun problema a relazionarmi con loro. Preferisco un emo a un qualunque fascista razzista o ai tipici personaggi che seguono le mode.
Sembra che questi emo siano un po’ più profondi e cerchino di trovare un proprio posto,  un’identità. In più sono sempre stato molto attratto dalle persone si esprimono attraverso uno stile proprio. Parte della loro musica fa un po’ schifo, ma certa è buona.
Per dirla tutta, mi è sempre piaciuta l’idea di un’immagine più dura. La mia prima band, i Testors, veniva definita come un gruppo di “Original Music”; subito cercarono di etichettarci come punk, ma solo quando se ne uscirono con il termine annacquato new wave finalmente mi sono sentito a mio agio con la definizione punk.
Quello che voglio dire, per collegarmi alla tua domanda sugli emo, è che mi piacciono. Sono diversi da quello che c’era nella prima scena punk, ma forse la pensano allo stesso modo su molte cose.
Comunque avevo un parente quando ero piccolo: lo Zio Emo; quindi ho un legame personale con loro.

Hai lavorato con diversi artisti, a volte con background musicali diversi dal tuo. Quale è la formula magica per far funzionare le cose?

Solitamente ho una specie di visione, un’idea generale, di ciò che voglio e mi serve. Contatto le persone che sento che possono aiutarmi a raggiungere il mio scopo. E la magia è tutta nella loro passione.

Quale è stata la collaborazione più difficile?

Ho avuto Cheetah Chrome e Bob Stinson negli Shotgun Rationale, insieme. Praticamente un incubo da finire dallo psichiatra! Generalmente lavorare con Bobby Stinson era molto difficile; abbiamo passato momenti magnifici insieme, ma anche se gli volevo davvero bene si portava dietro un sacco di problemi.
Poi avere membri del gruppo che si facevano di eroina a volte era sfibrante. C’erano sempre dei problemi. Se stavano provando a smettere o dovevano comprare una dose potevano nascere situazioni molto difficili. Anch’io ci sono passato e so che non ero un angelo, ma non l’ho mai fatto in tour e la mia esperienza in quel campo è stata limitata, non ne ho mai fatto uno stile di vita.
Comunque i musicisti con cui ho suonato ci hanno sempre messo l’anima, sia che fossero sotto l’effetto di qualche droga, sia che fossero puliti. Sono stato fortunato a lavorare, per lo più, a un livello profondo con le persone: non puoi farlo nei mestier comuni; quindi, anche se a volte può essere un po’ drammatico, è comunque stimolante avvicinarsi così tanto alle persone. Dedizione e anima: è la miglior situazione possibile.

Vorrei parlare dei Dead Boys. Amo Stiv Bators: hai un ricordo di lui da condividere con noi?

Stiv era un vero gentleman e un tizio molto amichevole. Contrariamente all’immagine da palcoscenico o alla percezione comune di lui, era una persona molto premurosa e gentile. Il suo personaggio sul palco rifletteva la sua insoddisfazione verso il mondo, che era un sentimento reale e lui era capace di trasmetterlo sulla scena e nella musica. Lo esprimeva bene. Un artista consumato, un ragazzo divertente con cui stare.
Ogni tanto lo vedevo fare scherzi e alcun i gesti punk disgustosi, ma solitamente succedeva quando eravamo ubriachi o fatti! Una volta, in tour negli USA, eravamo in un Hilton o Radisson Hotel e Stiv pisciò dentro la macchina del ghiaccio nella hall. Gli piaceva fare cose schifose, a volte, ma penso che recitasse la sua parte per shockare la gente; e finiva per sembrare il moccioso dell’isolato che incendia la spazzatura dei vicini. Penso che gli piacesse l’immagine del cattivo ragazzo. Ma a parte questa specie di dissolutezza era una persona molto profonda. So che suona contradditorio, ma la gente a volte è complessa.
Ci siamo scritti parecchio, dopo che si trasferì a Parigi. Mi manca molto.

Nella tua vita non c’è  solo la musica, ma anche il cinema e l’arte. Puoi dirci qualcosa in proposito?

Ho avuto a che fare con arti visive, regia, ma anche scrittura e installazioni artistiche. Faccio ancora queste cose ogni tanto. Negli anni ho fatto qualche mostra e qualche performance. Erano lavori fatti con passione, che mi hanno procurato le basi e la possibilità per esplorare e scoprire le espressioni audiovisive. Trovo questo tipo di cose molto gratificanti, in un certo modo.
Puoi esprimerti in questi lavori e attraverso loro: è molto diverso dal suonare in una band e creare musica. A volte in un gruppo ci sono così tanti psicodrammi!
Quando mi immergo nell’arte visiva, per me diventa una forma di isolamento sociale. Mi affascina il modo in cui è differente. L’ambiente e la funzione, nell’arte, sono completamente diversi rispetto al creare musica – beh, almeno il tipo di musica che io suono.
Una delle differenze principali è che io “scelgo” di girare un film e “scelgo” di creare un’installazione… ma con la musica non ho nessuna opzione. E’ come se lei mi scegliesse e mi cercasse. Sapevo dall’inizio che questo era il mio destino. A volte penso che avrei dovuto avere una vita e un lavoro più tradizionali, ma non posso negare il fatto che la musica è come il mio modo di essere e la mia anima si esprimono.

Come artista a 360°, mi viene in mente un’importante figura della scena garage: Billy Childish. La televisione inglese gli ha chiesto di partecipare al Grande Fratello Vip e lui ha rifiutato. Se lo chiedessero a te, cosa risponderesti?

Capita anche a me di rifiutare parecchie proposte. Non parteciperei mai allo show di cui parli. Recentemente mi volevano filmare e intervistare per quel film su Arthur Kane e i New York Dolls, ma ho sentito dire che avevano intenzione di far apparire Arthur perso e fuori di testa. Conoscevo Arthur e, anche se soffriva per essere stato dimenticato e mai supportato dall’industria musicale, non mi è mai sembrato perso. Era del tutto presente, ogni giorno della sua vita.
Una volta dovevo chiamarlo per registrare con me e Clem e le persone dicevano “Non chiamare Arthur, è bruciato”. Beh, io gli ho telefonato chiamato e gli ho detto: “Arthur, dimmi se ho ragione: sei seduto da qualche parte, guardi la tele con il tuo basso in grembo, suonando le canzoni che passano in tv”. Era shockato perché era esattamente ciò che stava facendo! Abbiamo registrato un paio di giorni dopo: andava alla grande al basso e suonò perfettamente. Era un uomo molto profondo e talentuoso. L’anno dopo ha partecipato alla reunion dei Dolls, ero davvero felice per lui. Ora ci manca molto.
Comunque, per rispondere alla tua domanda, sarei disposto a fare qualcosa in televisione, ma non bacerei mai il culo a nessuno e non mi piegherei davanti alle lusinghe dello spettacolo. Solo se sentissi che ha qualche valore reale potrei accettare. Sono sicuro che Billy Childish ha preso la decisione corretta. Una persona molto coerente.

Perchè  ti sei trasferito da New York a Minneapolis?

E’ una lunga storia, ma mi sono trasferito a Minneapolis per motivi personali. Non sapevo molto della città prima di arrivarci. Per me era un posto lontano di cui non conoscevo nulla. In effetti, da bambino, non sono andato molto a scuola: fui espulso quando avevo 13 anni, quindi suppongo di essermi perso la lezione sul Minnesota.
Sono arrivato direttamente da New York – è stato davvero uno shock culturale per me! Passare dalle strade di New York (vivevo di fronte al CBGB’s) al fottuto Mid-West!!! Incredibile! C’erano continuamente servizi sulle fattorie e sul raccolto, in tv, e tutti erano gentili e piacevoli (eccetto la polizia).
Un grande cambiamento rispetto alla giungla urbana delle strade di Manhattan. Per me, all’inizio, era un pianeta strano fatto di mucche, laghi e campi di grano. In inverno facevano pesca sul ghiaccio e ogni giorno mi chiedevano di andare con loro: “Hey Sonny,vuoi venire a pescare sul ghiaccio?”… “Sì, certo… mi siederò sul lago gelato tutto il giorno, con i miei pantaloni neri e i Beatle boots, congelandomi il culo per pescare sul ghiaccio!”. La pesca sul ghiaccio è quella in cui metti una piccola sedia sul lago gelato, fai un buco nel ghiaccio, ti siedi per tutto il giorno, metti un filo nel buco e cerchi di svegliare i pesci per catturarli.
Da NYC dritto a Minneapolis: fu un cambiamento fottutamente difficile per me. Per contro, lì  ho conosciuto Bob Stinson e mi sono fatto altri amici carissimi. Anche Bob Mould era mio vicino di casa ed era una persona veramente interessante: mi ha dato una mano in varie occasioni.
Dopotutto è stata un’esperienza positiva vivere lì, ma ai tempi sembrava che la mia immagine fosse shockante per loro. Ora ci sono un sacco di persone che girano per il Minnesota come me, ma quando ero lì la gente si fermava a guardarmi! Sembrava che fossi sbucato da un altro pianeta. Ci sono stati bei momenti e brutti momenti.
Avevo anche un gruppo, lì, e abbiamo fatto bei concerti ed esperienze divertenti. Ma devo mandare un VAFFANCULO speciale alla polizia del Minnesota. La ragione è che, come ho detto, se la gente si limitava a guardarmi,  gli sbrirri pensavano che fosse parte del loro lavoro fermarmi e farmi passare delle grane. Un paio di volte stavano quasi per ammazzarmi: davvero.
La polizia del Minnesota negli anni Ottanta era la peggior razza di brutali merdoni con una pistola. Non so come vadano ora le cose, a riguardo, ma posso dirti sicuramente che gli sbirri del Minnesota erano sempre sul sentiero di guerra, viaggiavano a forza di odio e corruzione e quando ero lì tentavano sempre di fermarmi e crearmi problemi. Assurdo, visto che non avevo mai fatto niente di male, giusto correre un po’ in macchina o fare un po’ il matto: eppure erano molto attenti a ogni cosa che potesse rappresentare una forma di libertà o dimostrare di avere uno spirito selvaggio. Nonostante non riuscissero a capire come si cattura un vero criminale, perdevano tempo a tormentare un rocker. Ho delle  foto di una volta in cui mi picchiarono così tanto che finii all’ospedale.

Nel 2008 hai collaborato con un’etichetta italiana (Primitive Records) per una compilation e un tour. Che pensi della scena italiana?

E’ assolutamente fantastica e cool. Come la prima scena newyorchese a fine anni Settanta: non molte persone, ma appassionate ed entusiaste! Sì, l’Italia è molto speciale per me. Ho passato un po’ di tempo e ho bevuto qualche bicchiere con il tipo dei Temporal Sluts. Poi ho incontrato qualcuno degli Idol lips e molti altri. E’ una delle scene che preferisco. Un piccolo gruppo intelligente di persone appassionate che si incontrano, per divertirsi e creare qualcosa.
Era così a New York negli anni più folli, alla fine dei Settanta: il periodo CBGB’s e del Max’s Kansas City. Una piccola scena non commerciale, al punto da essere sconosciuta al resto della società. Il mainstream aveva la disco e noi avevamo… beh, conosci la storia!
Mi piace un sacco la scena italiana e se ci aggiungi il calore tipico degli italiani… sono molto felice quando mi trovo lì. I ragazzi con cui ho suonato erano tutti fantastici! Hey Ricardo, Tony e Vincenzo! Pasta fasoule! [sic]

Nei tuoi testi, troviamo spesso le parole “arabic” ed “egypt”. Hai letto il libro di Knight Michael M., Islampunk? Cosa pensi della combinazione tra punk e islam?

Non ho letto l’intero libro, ma lo conosco. Ne ho comprata una copia a San Francisco, ma per ora l’ho solo sfogliata. E’ sStrano come una storia inventata possa ispirare le persone a creare una vera scena, rifacendosi ai concetti del libro. Penso sia abbastanza divertente (non un “ha, ha: divertente”, è una cosa interessante). Potrebbe avere un effetto buono sulle persone, spingerle a interrogarsi sui dogmi del loro credo.

Altri tuoi riferimenti, nei testi, sono a questioni sociali e politiche (“Buddisth On Fire”, la strumentale “Why Do They Still Persecute Jesus Christ”), o parlano di importanti pensatori del passato (“Voltaire”) e del presente (“Sex With Noam Chomsky”). Barack Obama è l’incarnazione di un cambiamento per te?

Anche da bambino assorbivo voracemente sia i concetti alternativi che quelli tradizionali, facevo ricerche su religioni, filosofi, scrittori e politici. A scuola, di solito, ci mandavano in biblioteca per fare qualcosa di specifico relativo alle materie di studio, ma io me ne dimenticavo immediatamente: con tutti quei libri intorno me ne stavo per conto mio, a leggere quello che mi interessava.
Di Obama penso che è il primo presidente che sa ballare, quindi – già solo per questo – è il mio uomo! Anche se è uno spreco che Chomsky non sia il presidente! Uno spreco perché è una persona onesta e intellligente, che saprebbe portare qualche vero cambiamento.

Cosa mi dici, in più, di “Sex With Noam Chomsky”?

La canzone mi venne in mente un giorno in cui stavo facendo un sogno a occhi aperti su di lui, pensavo alla persona coscienziosa e leale che è. Lo ammiro  davvero tanto, tanto, tanto… e in questa specie di fantasia iniziai a domandarmi – visto che Noam è così corretto – come potrebbe mai iniziare, uno così, a fare un po’ di sesso animalesco? Parlo di quel tipo di passione inaspettata che ti fa gettare il tuo partner sul tavolo della cucina, ci si bacia e si diventa un po’ selvaggi, mentre i contenitori del sale e del pepe cadono, volano per la stanza e tutto si rompe: questo genere di passione. Come può una persona così rispettosa dare il via a una situazione del genere?
Hummm… Noam direbbe: “Sarebbe una cosa particolarmente inappropriata se mettessi la mia mano sulle tue ginocchia?”. E poi: “Ho un estremo bisogno di spogliarti, saresti d’accordo?”.
Beh, questa era l’ispirazione iniziale per la canzone, ma di tutto questo rimane solo il titolo e parte del testo. Comunque era un’idea stupida e un sogno a occhi aperti sciocco: alla fine non ho approfondito davvero l’argomento, ma piuttosto ho scritto un po’ di parole in omaggio a Noam!
A volte l’impulso iniziale delle canzoni, le parole e l’ispirazione del momento, non sono la migliore chiave per comprenderne significato. E’ meglio lasciare che il senso ti giunga ascoltando il pezzo.
Una volta suonavo con Sterling Morrison e abbiamo fatto uno show con Jonathan Richman: ho fatto l’errore di chiedergli di una canzone che aveva scritto, quella sull’involucro dei chewing gum (“Chewing Gum Wrapper”) e si è lanciato in un monologo di 20 minuti. Molto interessante, ma… come ho detto prima, ho capito molto di più semplicemente dall’ascolto del pezzo.
Per esempio: chi chiederebbe a Joey Ramone se la canzone “Beat on the Brat” se è davvero sul picchiare qualcuno? Non lo è. Il senso, il significato, deriva dal sentire la musica e le parole insieme. Questa è una delle ragioni per cui non posso resistere al rock’n'roll: perché quando lo suoni bene è magico!

Hai qualche progetto che non hai ancora realizzato?

Molti. Ci sono un paio di libri che voglio scrivere e altre cose, dei film. Al momento ho anche alcuni dischi “in canna”, per così dire. E’ musica che ho registrato, ma non ho ancora fatta uscire. C’è roba molto cool incisa con Scott Asheton e altra roba del primo periodo a New York. Un progetto a cui sto lavorando è un album che ho registrato ai Twin Tone Studios di Minneapolis, con Bobby Stinson, negli anni Ottanta.
Sto assemblando il tutto cercando di renderlo bellissimo e speciale, includendo storie e fotografie di Bobby – una sorta di commemorazione – insieme alla musica che abbiamo registrato insieme. Ma sto avendo gli stessi vecchi merdosi problemi di sempre.
Ci sono 10 etichette che vogliono pubblicarlo, anzi 11, ma tutte guardano solo il lato commerciale: pensano a quanti soldi ci possono fare e a come tagliare i costi di produzione. Vogliono spendere il meno possibile per la confezione. Tutti si offrono di stampare un po’ di copie, farle uscire, investire pochi soldi e guadagnare il più possibile.
Io voglio fare qualcosa di speciale, che le persone possano avere, guardare e usare per “assaporare” un po’ di Bob. Qualcosa da condividere.
Non mi importa se non guadagnerò un dollaro. Non penso di dover scendere a compromessi e farne un “prodotto” a basso costo. E’ un po’ frustrante, ma ce la farò in qualche modo. Probabilmente lo pubblicherò semplicemente con la mia etichetta (Disturbed Records, che ho creato per aiutare le band giovani) e farò tutto come voglio io.

Capita che uno è sceso da un aereo dopo 14 ore di volo e nella cassetta della posta si trova un cd dei The Sunwashed Avenues. Grafica minimale, ma interessante, nessuna info e un notevolissimo biglietto da visita pieghevole a cui sono pinzate tre capsule colorate tipo pastiglie-che-non-dovresti-mai-prendere-MAI-per-il-tuo-bene-per-carità-diddìo, ma che ovviamente ti viene subito voglia di ingollare. Uno non può fare altro che essere curioso come una scimmia, da subito, in questi casi.

Capita, però, che passino un paio di giorni prima che si riesca a mettere nel lettore il cd in questione. L’intrigo (nel senso di sensazione di essere intrigato – perdonate l’acrobazia) è tanto, così come la voglia di mangiarsi le tre capsule (ok, poi basta pensarci un attimo per razionalizzare… fossero cose davvero divertenti e illecite al punto giusto, non sarebbero mai giunte fin qui via posta: ovvio e palese).
Parte il primo brano. Un suono di chitarra ruvido, un po’ sottile e saturo di toni medio-alti; poi la sezione ritmica, prodotta con sonorità più scure, “grosse” e rocciose. E infine, dopo un po’, la voce. Già, la voce… che nel mix è talmente bassa da sembrare inesistente in alcuni tratti.

Stop un secondo. Dei suoni parliamo più avanti. Iniziamo dal genere: subito mi sono venuti in mente, come vaga suggestione, gli And You Will Know Us By The Trail Of Dead; quindi un emo-post hardcore-screamo-metal con una vena progressiva che emerge a sprazzi. La sensazione dura per qualche minuto, poi ci si addentra in territori sempre più ornati di metallo – in accezione non classica, ovviamente – e di weirdness.

Nu-metal? Non proprio. Diciamo che potrei definirlo post hardcore metallizzato, con ambizioni avant-garde (per apprezzare la citazione ricordatevi i Celtic Frost, che nulla c’entrano coi The Sunwashed Avenues – a parte la comune provenienza geografica – ma che coniarono il termine avant-garde metal con scarso successo, ma notevole lungimiranza estetico-critica).
Una faccenda abbastanza interessante, anche se di difficilissima digestione per il sottoscritto (l’ep, di soli sei pezzi, mi è parso eterno come lunghezza – ma eterno, alla fine, non lo è). Il vero problema è la produzione.
Torno quindi a quanto scritto poco sopra. Suono di chitarra molto ruvido (anche se un po’ trascurato e a tratti quasi punk amatoriale – ma chissà che non sia voluto), sezione ritmica possente e prodotta con piglio più roccioso, voce urlata ma inudibile nel mix. Che dire… l’effetto d’insieme non è dei più accattivanti a livello di resa. Non escludo che il tutto sia voluto e studiato (la voce mixata bassa fu piuttosto di moda, per un certo periodo, a quanto ricordo), ma non mi quadra moltissimo.

Non è facile, sicuramente, la proposta dei The Sunwashed Avenues. Ma un assaggio – anche solo per curiosità – lo merita. Chissà che non vi ritroviate sulla stessa lunghezza d’onda.

I Fine Before You Came suonano emo-core. Attenzione però: nel 2009 la propaganda della nuova MTV generation di 15enni ha praticamente distrutto il senso del prefisso “emo”, rendendolo una specie di bestemmia, utile a identificare l’ultima moda passeggera. I cinque milanesi hanno invece alle spalle una decina d’anni di carriera, suonando in giro per l’Europa e producendo, in piena etica DIY e anti-copyright, tre dischi, oltre a 7″ e split vari.

Anche questo nuovo Sfortuna, il quarto della serie, si trova in free download sul loro sito prima dell’uscita in formato CD, LP e anche cassetta (a quanto pare i nastri non sono ancora scomparsi).

Com’è Sfortuna? Un ottimo disco: una botta emotiva fortissima aiutata dai testi, per la prima volta in italiano. Poco più di mezz’ora in cui la formula sonora del quintetto assume forme e mostra influenze varie, con serrate ritmiche new wave, momenti post-hardcore alla Slint o alla Flipper o accelerazioni a sostenere il cantato, che va verso lo screamo senza mai arrivarci pienamente.
In pratica una breve via crucis per cuori spezzati, scritta e suonata con assoluta sincerità e capacità di scavare nell’anima, senza paura di mettersi a nudo davanti a chi ascolta. Adolescenziale quanto volete, ma vera e viva.

Il climax si raggiunge con la terza traccia, “Fede”, una claustrofobica discesa nella solitudine che si spegne lentamente lasciando senza speranza; con “O è un cerchio che si chiude”, che ci accompagna marziale nella disperazione; e con il finale affidato a “VIXI”, che parte incazzata e tirata, per poi contorcersi in epilettiche maledizioni verso la sfortuna.
Forse non è il modo giusto per combatterla, ma qualche minuto liberatorio, se non altro, ce lo regala.