Imperial State Electric – s/t  (Psychout, 2010)

C’è da sbizzarrirsi volendo fare il gioco degli incroci, tanto cari a noi scribacchini. Beatles e Alice Cooper? Byrds e Sex Pistols? Kiss e Cheap Trick? Ramones e Rolling Stones? In verità c’è tutto questo e anche di più. Soprattutto c’è la sacra trimurti del r’n’r mestiere-sudore-entusiasmo che evoca pesanti limonate sotto il palco.
Ascoltando l’esordio lungo degli Imperial State Electric si ha la netta sensazione del divertimento di teenager che suonano in cantina senza guardare l’orologio. Una piacevole sensazione a prescindere, ancor più piacevole visto che l’imperatore Nicke non si è circondato di quattro sprovveduti dopolavoristi ma, tra gli altri, di gente come Dolf De Borst dei Datsuns, Neil Leyton dei Dogs D’Amour e dei fidi compari Anders Lindström e Dregen con lui già negli Hellacopters.

Alex Ogg - No More Heroes (Cherry Red, 727 pag.)

Una segnalazione e poco più, per questo volume che non ho ancora capito se sia davvero interessante oppure un moloch uscito un po’ zoppo. Più di 700 pagine di schede, piazzate in comodo ordine alfabetico, per fotografare il punk britannico dal 1976 al 1980.

L’idea mi intrigava molto – altrimenti perché l’avrei preso? – però le prime perplessità giungono leggendo la prefazione, in cui il buon Ogg scrive: “mi sono ritrovato con troppo materiale, di sicuro più del doppio di quello che leggerete, e il processo di selezione è stato davvero duro”. Ok: ci sta, capisco le esigenze editoriali e tutto, però allora sulla copertina non vorrei leggere “A complete story of UK punk from 1976 to 1980″, perché complete non è per tua stessa ammissione… tra l’altro, chissà perché non c’è traccia di Eddie & The Hot Rods…

Detto questo, nel libro si inizia con gli Accelerators di Liverpool e si finisce con gli Zyklon B di Blackpool. Le schede relative ai nomi più scontati sono approfondite e mai banali, ma le vere chicche sono quelle delle band di mezza tacca – o meglio: le band che non hanno lasciato segni profondi nella memoria e nella discografia.
Io ho trovato molto rilassante e istruttivo aprire a caso il volume, tipo I Ching, e fermarmi sul nome che più mi colpisce sul momento… in questa maniera si scoprono formazioni davvero oscure, connessioni con gruppi più noti, compilation ultraculto e aneddoti gustosi.

Il verdetto, finale o meno non saprei, è che – se non siete fanatici del genere “colleziono libri sul punk e godo ad averli”, forse potrete anche glissare. Però è un bel lavoro, quindi se lo trovate a poco (magari qualche special sale su Play) fatelo vostro: fa anche la sua porca figura in libreria.

Maybe I’m… – We Must Stop You (Jestrai, 2010)

A dispetto della copertina dal sapore metallico/esoterico, i salernitani Maybe I’m hanno ben altre – ottime – carte da giocare. E sono tutte estratte dal mazzo del rock/folk più malato, bluesato, country, decadente e traditional. La stirpe di Nick Cave, Hugo Race e Rowland S. Howard di sicuro li accoglierebbe senza troppe riserve nel perimetro del proprio ranch crepuscolare, tanto per capirci. Ogni tanto fa capolino anche un po’ di Lanegan solista (“A Secret Lake” è l’esempio principe)… e un tocco di Tom Waits c’è di sicuro.

Nella bio la band sottolinea il concetto di suond “primordiale”, “scarno” e “lo-fi”. In un certo senso è vero, anche se a mancare – in realtà – è una bella dose di zozzeria, rumore, bava e fango. E dire che i pezzi si prestano moltissimo a interpretazioni luride, distorte e paludose… probabilmente è solo un problema di produzione e di scelte non troppo felici in fase di incisione e mastering. Cazzo, questa roba potrebbe essere davvero torbida e d’impatto, ma con queste sonorità asettiche perde il 70% del suo fascino.

Insomma, promettono molto, ma alla fine concretizzano poco – ed è un peccato. In fondo sarebbe bastato spingere un po’ di più, senza timori, sul tasto del lo-fi e del primordiale… sono concetti chiave in questo tipo di musica e non basta citarli nella bio.
Li rimando a settembre (metaforicamente), ma li vorrei tantissimo sentire in versione più selvaggia. Perché hanno le potenzialità per essere una realtà che rifà il culo a buona parte delle band italiane – e non – che ronzano intorno al rock-blues-folk abrasivo.

The Stooges – You Don’t want My Name, You Want My Action (Easy Action, 2009)

Se amate Ron Asheton e avete sempre avuto la curiosità di sentirlo all’opera insieme a James Williamson (entrambi alla sei corde, nota bene), questo cofanetto con cinque live del 1971 vi ammazzerà di godimento. Ma dovete essere dei fottuti fan. FAN. F-A-N. Perché si sente male ed è indegnamente costoso. Però… ascolterete brani mai finiti su un disco ufficiale e sentirete il gusto dell’eroina in gola. E – soprattutto -  non avete idea di cosa scatenavano quei due con le loro chitarre al collo…

I dischi, ormai, non si vendono più come una volta; succede da almeno 13-14 anni. Cioè, in realtà l’industria discografica piange miseria almeno dagli anni Settanta, ma prima era una miseria milionaria, ora è una miseria un po’ meno opulenta, visto che per entrare in classifica di vendita basta qualche migliaio di copie (2.000/3.000, mica 20.000 eh!).
Quindi la pensata del music business è stata: “stimoliamo” quelli che i dischi già se li comprano (e non hanno mai smesso di comprarli) a cagare ancora più soldi. Il risultato è evidente ogni volta che entrate in un negozio di dischi o guardate uno store online. Secondo voi cosa sono quelle vagonate di box, cofanetti, limited edition, expanded edition con dvd e cd più o meno zeppi di inediti, pack con dischi+libretti+magliette+action figure, deluxe edition con cd/45 giri/riproduzione della pagella di prima media del cantante/tanga col logo della band? E non è facile non cascarci. Io l’ho fatto in questo caso (e in altri, ok) e – anche se con qualche bestemmia – devo dire di essere soddisfatto dell’acquisto. Certo è anche vero che una cosa un po’ più dimessa, e magari a metà del prezzo che ho dovuto pagare, l’avrei preferita. Quindi in futuro tenterò di tirare una dozzina di respiri prima di farmi trascinare nuovamente dalla fregola assassina. Amen.

Dopo questo inutile, ma abbastanza liberatorio, pseudo-saggio autoreferenziale, passiamo a You Don’t Want My Name, You Want My Action, un box con ben quattro cd che immortalano cinque esibizioni che si svolsero rispettivamente il 13 aprile, 14 maggio, 15 maggio, 26 maggio e un imprecisato giorno del luglio 1971 (a Detroit, New York, St Louis e Wampler’s Lake).
Lo sfondo di queste esibizioni è il declino della band: Williamson è entrato in organico da poche settimane, tre membri su cinque sono invischiati pesantemente nell’eroina, le vendite di Fun House sono state del tutto insoddisfacenti per la Elektra e – infine – il nuovo manager Danny Fields non riesce a stare al passo con le follie e le continue richieste di soldi (per bucarsi) degli Stooges.
E’ un brutto periodo, decisamente: amplificatori e strumenti vengono venduti per comprare eroina, i concerti spesso sono un freak show di zombie ed è chiaro che l’epilogo è – se non dietro l’angolo – comunque molto vicino. Eppure, seppellito in quel fiume di siringhe, scazzi, vomito e distruzione, c’è ancora un grande gruppo, che dall’intreccio creato da Asheton e Williamson esce rinnovato. Meno curioso, ma più moderno e senza dubbio anticipatore della furia hard rock di Raw Power e dei migliori dischi del genere a venire nei seguenti 40 anni.

Lucidità è un concetto bandito dagli Stooges nell’anno del signore 1971 – e ciò si era capito – quindi da questi cinque live non è legittimo aspettarsi precisione e coesione, ma piuttosto il suono inconfondibile e proibito dell’autodistruzione, del terrore sedato a colpi di ago. E’ come essere di fronte alla Morte in persona, minacciosa e nera, ma se la guardi una decina di secondi capisci che sta a mala pena in piedi e ha fatto a se stessa quello che avrebbe potuto fare a te.
Le scalette sono praticamente identiche (a parte il frammento della quinta, ovvero il concerto finale della band del luglio 1971, dopo cui gli Stooges Mark I si sciolsero) e contengono quasi solo materiale peculiare, di transizione, che poi la band abbandonò nella sua incarnazione seguente, quella che diede vita a Raw Power. Sono brani di rock duro e ipnotico, in cui Asheton e Williamson si alternato nelle vesti di chitarra solista e ritmica, spezzando la monotonia delle rispettive routine e lasciandosi andare senza troppi pensieri – complice anche il caos e la struttura piuttosto libera dei pezzi: la durata della medesima canzone, infatti, varia in maniera evidente a seconda della sera, dell’umore e del grado di stravolgimento.
C’è decisamente molta meno sperimentazione – annegata nell’eroina e nell’impostazione più tradizionalmente rock di Williamson, che fa fortemente capolino nell’impasto – e una dose da cavallo di “improvvisazione calmierata”, nel senso che il numero di giri, la lunghezza degli assoli e le strofe di cantato non sono mai uguali nello stesso brano, come se fossero dettagli figli dell’umore e del colore del singolo momento (un gioco pericoloso che rischia di trasformare la medesima canzone, in maniera imprevedibile, in una polpetta di fogna o in un capolavoro, a seconda della serata: ascoltare per credere).
Eppure mi sento di dire, e senza troppi ripensamenti, che siamo davanti a un ibrido pazzesco tra le due anime della band, quelle che per molti (me compreso, fino a poco tempo fa) sono state inconciliabili. Insomma, gli Stooges con Asheton e Williamson alle chitarre erano possibili e potevano funzionare. Ma la storia se li è mangiati.

I cinque concerti di You Don’t Want My Name, You Want My Action derivano da altrettante cassettine amatoriali – le cosiddette audience recording – che qualche anima folgorata ebbe la lungimiranza di incidere all’epoca (39 anni orsono), quindi non possono sentirsi bene: questo deve essere chiaro. Nella migliore delle ipotesi il tutto è stato ripreso con un apparecchio mono appoggiato da qualche parte nella sala; non sono bootleg rubacchiati da tecnici del suono truffaldini che incidevano dal mixer… è tutto crudo, nudo, caotico, mono e condito con quel classico gracidare della registrazione che va in saturazione per il volume troppo alto. E nei punti in cui il nastro si è rovinato per gli anni trascorsi, state sicuri che vi accorgerete che qualcosa non va.
A ben pensarci, però, questo è l’unico tipo di registrazione plausibile, coerente con la decadenza degli Stooges nella primavera del 1971; per una band che si sta sfaldando è perfetta una fotografia così sfocata, deragliante e fangosa.

Concludendo? Niente grappa Bocchino – che fa ancora caldo e poi è mille volte meglio la Nardini – ma l’idea è che se avessero pubblicato un semplice doppio cd con copertina sobria, invece di questo sfarzoso e arrogante pseudo-libretto (con incluse quattro riproduzioni tipo santino di foto polaroid, di cui proprio non capisco l’utilità) da quattro dischi, tutto sarebbe stato meno costoso e più accessibile ai fan che DEVONO sentire questa roba (già bootlegata solo in parte, in passato).

Fate i vostri giochi… nel caso vi sembrasse troppo costoso QUI potete scaricare i quattro cd in mp3.

Lem Motlow – Potevamo farlo più veloce

Capelli lunghi alla Mal dei Primitives e dress code stile Henry Silva in Milano odia: la polizia non può sparare. A forza di vedermelo seduto alla scrivania davanti alla mia, nel grande acquario di menti pensanti – a cosa è ancora da stabilire – di un’importante azienda italiana, mi ero fatto una mezza idea che potesse riservare delle piacevoli sorprese: esiste dunque la vita anche su questo pianeta?
E così, non mi vergogno a dirlo, iniziai a origliare alcune sue conversazioni con i vicini di scrivania, captando spesso – quando non si parlava di figa e anche questo devo dire non mi dispiaceva  affatto – alcune parole su gruppi musicali interessanti che comparivano anche nella mia libreria musicale di MP3 e nei miei svariati dispositivi per la loro lettura in mobilità.
Un giorno alla macchinetta del caffè scattò l’agguato: lo blandii tirandomela non poco dicendo che conoscevo di persona Andrea Valentini e che avevo suonato assieme ai Timoria. Sono convinto che fu solo per queste due cose che Francesco diede retta a questo pallido impiegato vestito in giacca e cravatta. Anzi a essere onesto, mi disse che non conosceva i Timoria, ma mi confessò di essere un fan accanito di Body Bag Redemption.
Diventammo quindi amici e così mi fece conoscere la sua creatura: i Lem Motlow (li trovate anche su Facebook e MySpace) un gruppo composto oltre a lui da altri tre teneri virgulti della campagna astigianoslashtorinese (assieme a Francesco alla voce ci sono infatti Alessio al basso, Giulia alla chitarra e Daniele alla batteria).

Potevamo farlo più veloce, il loro primo EP, è un’opera che profuma di garage punk con sfumature rockabilly e beat. La tecnica è discreta e anche il timbro vocale si fa apprezzare. E con questo potrei già dire di essermi guadagnato almeno tre birre senza troppa fatica, se non quella di avervi inondato di inutili pezzi della mia sordida bio.
Ma procediamo oltre ed entriamo nel dettaglio: un ascolto più attento dei pezzi rivela come il gruppo risulti in una sorta di limbo dello stile.
In alcuni passi, soprattutto per il contenuto dei testi, sembra di essere cascati in un girone abitato da gruppi demenziali alla Skiantos come ad esempio ne “La regola del tre” (“stasera sai che c’è/con un porno faccio a meno di te”)  e gruppi beat italiani anni ’60 dai testi stravaganti (sentite ad esempio i fantastici I Cinque Monelli con “Balbettando”).
In altri brani (“La Routine” e “Le pasticche dell’ubriachezza istantanea”) i testi diventano meno caricaturali, lasciano spazio a una visione scanzonata della vita e anche la musica sembra risentire di questo mood più serioso, così l’impasto di garage e punk acquista un tono più complesso – e a mio avviso molto convincente – con le linee di cantato che trovano slanci non banali e a tratti dissonanti.

Quindi, in estrema sintesi, I Lem Motlow sono sospesi tra Headcoats, Hives, Dickies, Mummies, e Gene Gnocchi e i Getton Boys (quelli di “Antonella Pasqualotto 9-9-7-8”).
Conoscendo gli artigiani di questo prodotto, la loro vena creativa e la loro “sana” capacità di fare musica senza tirarsela è lecito attendersi che troveranno il giusto equilibrio in grado di dare alla loro opera una maggiore uniformità e un timbro che li faccia riconoscere.

Mi parlano di esibizioni live al fulmicotone e di un’ottima presenza scenica (provare per credere: QUI c’è un video live), con diverse ragazze che sperimentano il famoso orgasmo multiplo durante il bis, ma purtroppo una tremenda sciatalgia e il morbo di Duputreni mi impediscono di seguirli nelle loro ricorrenti escursioni da “Giancarlo” sui Murazzi e in giro per il Piemonte.

Francesco, mi rendo conto che anche la recensione è piuttosto demenziale, ma nel mio caso temo non vi sia rimedio: a proposito, cos’è sta storia della lingua di Baglioni tagliata in due da un cavo elettrico mentre andava in moto?

Ok, è chiaro che qui nei meandri di Black Milk – anche se non se ne parla molto – Mark Lanegan è, per usare un eufemismo, molto stimato. E, nonostante lo scetticismo iniziale per un lavoro in joint venture con la chanteuse Isobel Campbell (lo confesso: Ballad Of The Broken Seas non mi piacque molto e il successore lo snobbai senza pensarci), tutto quadra. E per un’oretta, ascoltando il contenuto del promo gentilmente inviato, il mondo sembra avere un barlume di logica e di attrattiva… vi sembra poco?

I 13 brani di Hawk si snodano attraverso una notevole varietà – si passa dalla torch song sepolcrale al rock’n'roll mutante alla Cramps (ascoltate la title track), per arrivare al countrty/roots, al dream pop e alla ballata country – e nella loro estrema semplicità riescono nella missione che è tipica di ogni disco che si rispetti: farsi ascoltare creando un ponte di familiarità ed elargire brani che restano facilmente  in testa.

Personalmente mi trovo subito a mio agio con gli episodi targati Lanegan/Campbell, mentre porrei su un gradino leggermente inferiore i due duetti con Willy Mason e i due brani cantati da Isobel sola (anche se la breve “Sunrise” ha un calore pulp peculiare). Ma comunque è un cd che è consigliabile ascoltare attentamente almeno una volta: una chance la merita a priori. Poi se non vi piacerà, sarà solo una questione di gusto personale o di momento sbagliato per sentirlo (capita), perché la sostanza oggettiva c’è. E fornisce un fertile terreno alle radici dell’American gothic musicato.

Roberto Calabrò – Eighties Colours (Coniglio, 2010, 224 pag.)

Con un paio di doppio malto in corpo si disattiva il filtro diplomazia e posso dirlo senza difficoltà: tanto ne avevo letto, tanto è stato esaltato e tanto ne continuo a leggere che questo libro – ancor prima di stringerlo tra le mani – mi stava sulle palle. Così per partito preso, da Bastian Contrario che “se piace a tutti è una merda” e cose così.
In più non giovava il prezzo esattamente amichevole (34 euro uno sull’altro) a dispormi benevolmente verso l’acquisto.

Poi si sa… le vacanze finite, le incazzature e il bisogno di affogare le menate nello shopping compulsivo hanno fatto il resto e mi sono trovato alla cassa di una FNAC con il libro in mano, da pagare con bancomat così non pensi ai soldi che hai speso. E – pensate un po’ a quanto sono una brutta persona – quasi speravo di avere comprato una cagata per potere poi liberare i miei più bassi istinti parlandone male.

Niente di tutto questo.

Il libro è oggettivamente un bel lavoro, che sviscera per la prima volta il panorama e il periodo dell’esplosione neo-garage italiana. Il tutto racchiuso in una copertina rigida, ricco di illustrazioni a colori e – soprattutto – basato su un lavoro di raccolta dati e archiviazione che sicuramente ha portato via tanto tempo ed energie; immagino la fatica per contattare tutte le persone interpellate, tanto per dirne una.
La struttura fondamentale è peculiare (è suddiviso per annate) e lo rende diverso dalla maggior parte delle opere di stampo “dizionaristico”. Scelta vincente a livello di originalità, ma leggermente scomoda in caso di consultazione rapida (per dire: se volete leggere qualcosa sul secondo album dei Not Moving, dovete ricordarvi l’anno in cui è uscito, andare al capitolo relativo e cercare nel testo la sezione relativa: non molto immediato, decisamente)… ma questa è una fisima dettata dal fatto che spesso i libri musicali li uso per lavoro, quindi sono abituato a considerarli anche uno strumento, piuttosto che un oggetto di semplice libidine.

Ad ogni modo libidine è il vocabolo chiave con cui descriverei la sensazione generale che Eighties Colours comunica. Una libidine voluttuosa, fatta di aperture random del libro per farsi guidare dal caso, nella lettura di schede, dichiarazioni, interviste e dettagli tecnici relativi alle band che animarono la tempesta del garage revival tricolore.

A rovinarmi davvero la festa è arivata una sola cosa: nonostante fosse sigillata, la copia acquistata aveva un bel tot di pagine leggermente rovinate (un piccolo strappo nella parte in alto all’interno, vicino alla rilegatura). Ho avuto la pulsione di tornare indietro per farmela cambiare, ma quando me ne sono accorto erano passati già almeno un paio di giorni… e ho desistito. E un po’ mi girano le palle, perché 34 euro non sono esattamente il costo di un caffé al bar dietro S. Vittore.

The Nappies – Next Stop Styx (Cheapskate, 2010)

Scatto Polaroid. Mia moglie, con una maglietta dei Calexico, sta preparando l’impasto per la farinata bianca. Io in braga mimetica, maglia della SOA, ciabatta casalinga (gli anfibi non li annovero ancora tra le calzature da casa, tranquilli) e Ceres vuota per più di metà sono al computer.
Dalle casse escono le note di un brano dei The Nappies – from Latina. La suddetta moglie, nella pausa tra un brano e l’altro mi dice: “Bravi, ma non si sono accorti che gli anni novanta sono passati?”. Che come recensione non è proprio chirurgica, ma centra un punto fondamentale.

I Nappies, infatti, sono oggettivamente cazzuti, compatti e diretti nel proporre filologicamente un pop punk/punk rock molto bubblegum, davvero vicino a ciò che la Lookout di Larry Livermore sfornava nella sua età aurea (ossia a cavallo tra il 1989 e il 1993: gente tipo Groovie Ghoulies, Green Day pre-contratto major, Screeching Weasel, Mr. T Experience, Queers…). Molta melodia, chitarre veloci e ramonesiane, armonie vocali (con voce prevalentemente femminile) e tempi di quelli che comunicano subito l’idea di festa.
I testi, invece, sono incentrati su tematiche horror punk, ora virate in chiave ironica, ora più tradizionale (anche se mai troppo gotica o pesante), nella tradizione inaugurata da Misfits e colleghi amanti di tutto ciò che è creepy. A onor del vero in alcuni frangenti le melodie quasi da spiaggia cozzano con l’immaginario di tombe, zombie, sepolti vivi, oscurità e soli neri… ma nulla che pregiudichi il risultato finale, apprezzabilissimo se amate il genere.

Insomma… i Novanta saranno anche finiti, ma i The Nappies anche per un vecchio cinico come me (una personcina cara che se in un disco non suona un morto non lo ascolta nemmeno) risultano piacevoli. Magari a piccole dosi, ma è un problema mio.

VV.AA. – La mano (La mano, 2010)

Una compilation di gruppi accomunati dallo spirito rock’n'roll e dal fatto di essere piaciuti al team La mano, ovvero l’entità illuminata che promuove questa iniziativa e che è decisa a sollevare un po’ di casino nel nome del rock.
Nel complesso devo dire di avere apprezzato molto, anche se – come è normale che accada in questo tipo di operazioni – alcuni brani li avrei evitati a piè pari. Ma è parte del gioco ed è giusto che sia così.

Vediamo nel dettaglio cosa trovate in questo dischetto.

Human Tanga: che dire… probabilmente è imbarazzante più per me che per loro, ma tanto mi facevano accapponare la pelle anni orsono, e tanto mi danno l’orticaria ora. Veramente ragazzi, non so che dire: non siamo fatti l’uno per gli altri. Magari un giorno ci berremo una birra insieme e ci faremo una risata, su queste cazzate. Comunque fanno un rock’n'roll un po’ metallaro, con zero melodia e zero riff memorabili, voce da cattivello e… boh, lasciamo stare. Sorry: sarà colpa mia, di sicuro.

Ex Monroe: forse esageratamente cafoni per i palati più intellettuali, ricordano i Gang Green di Older Budweiser dopo una cura di glam metal. Mi incuriosirebbe sentire un loro disco intero.

The Kelvins: speed punk pestone, aggraziato come un toro ubriaco e infuriato, con qualche vaga eco New Bomb Turks (soprattutto il primo brano).

Haji: un gran bel brano con più di un’eco Stoogesiana (“Stewie & Shotgun”) e uno decisamente hard Seventies punkizzato con un buon tiro, anche se dal riff un po’ bollito e molto sentito.

Bermudas: punk rock’n'roll-roots-rockabilly indiavolato ed encomiabile, che regala due perle davero niente male – una delle quali acustica, a chiudere il disco.

Le carogne: intrigano – ma per non più di un minutino, poi diventano piuttosto molesti, almeno per il sottoscritto – con un garage gravemente meticciato con il rock sperimentale, cantato in italiano.

Noize Commando: punk con marcatissime striature hard/metal e voce da cattivo di b-movie di fantascienza. Sono pericolosamente in bilico tra lo stuzzicante e il kitsch, ma nell’arco di due brani fanno la loro porca figura.

Haji – Boiler (AKR/Tuna, 2009)

“Ron Asheton è morto, Lux Interior è morto e noi non ci sentiamo troppo bene” proclamano gli Haji, from Imperia City, Liguria. E proclamano bene, per quanto mi riguarda, nel senso che dopo una presentazione del genere la disposizione d’animo del sottoscritto è a priori positiva.

Ma le parole non fanno muovere i coni delle casse, quindi veniamo alla musica. Che è – grazie a dio, satana, allah o chi cazzo volete voi – un onesto, sudato, arrapato, fottuto e muscolare hardrockandroll.

Questo power trio, anche se non cambierà la storia del rock e non finirà in nessuna enciclopedia (e un bel “chissenefotte” vogliamo mettercelo, tanto per condire la frase?), è comunque in grado di regalare circa 25 minuti di rock con forti inflessioni punk, hard e lievemente stoner/desert rock, sfoderando un campionario evergreen che può facilmente essere ricondotto a gentaglia come AC/DC, Black Sabbath, Ted Nugent e Alice Cooper – ma anche Sex Pistols, New York Dolls, Rocket From The Tombs e Dead Boys (solo l’ottavo brano, “Feed Time”, regala sensazioni leggermente più vicine all’hardcore punk).
Onestamente ci ho trovato pochi Stooges e zero Cramps – per riprendere la frase con cui la band si presenta – ma non è propriamente un difetto.

Nessun miracolo, quindi, per gli Haji – se non quello del rock’n'roll che continua a respirare nonostante tutto, e si manifesta anche in 10 brani incisi in un cd partorito in quel di Imperia. E se la cosa non vi tocca, direi proprio che il problema è vostro.

Avanti ragazzi. C’è bisogno anche di voi.